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つながりの強いひと
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ジョン・ケージ
作品提供
アメリカ合衆国出身の音楽家。作曲家、詩人、思想家、キノコ研究家。実験音楽家として、前衛芸術全体に影響を与えている。独特の音楽論や表現によって、音楽... |
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伊福部昭
日本を代表する作曲家。ほぼ独学で作曲家となった。日本の音楽らしさを追求した民族主義的な力強さが特徴の数多くのオーケストラ曲のほか、『ゴジラ』を初め... |
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オリヴィエ・メシアン
作品提供
フランス、アヴィニョン生まれの現代音楽の作曲家、オルガン奏者、ピアニスト、音楽教育者。 |
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清水穣
母
写真研究者、同志社大学教授。東京生まれ。1986年東京大学独文科卒、1988‐1991年マールブルク大学に留学。1992年同大学院博士課程中退、同志社大学専任講師（... |
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武満徹
現代音楽の分野において世界的にその名を知られ、日本を代表する作曲家である。エッセイストとしても知られ、小説を手がけたこともある。 |
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ルイジ・ノーノ
作品提供
ルイジ・ノーノ（LuigiNono,1924年1月29日-1990年5月8日）はイタリアのヴェネツィアの作曲家。電子音楽、ミュージック・セリエルにおける主導的存在の一人と... |
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音楽史
音楽史(おんがくし)、すなわち音楽の歴史について解説する。 |
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一柳慧
一柳慧（いちやなぎとし、1933年2月4日-）は兵庫県神戸市生まれの作曲家、ピアニスト。 |
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ラルフ・ヒュッター
ラルフ・ヒュッター（RalfHütter、1946年8月20日-）はノルトライン＝ヴェストファーレン州クレフェルト出身のミュージシャン。ドイツの電子音楽グループであ... |
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ルチアーノ・ベリオ
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大井浩明
京都府京都市生まれのピアニスト、チェンバリスト、オルガニスト、オンディスト。 |
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プロフィール
- カールハインツ・シュトックハウゼンとは
- 略歴
- 第一期(1951-1960)
- 第二期(1961-1969)
- 第三期(1970-1977)
- 第四期(1978-2003)
- 第五期(2004-2007)
- 教育
- 人間性
- 日本において
- エピソード
- 作品
略歴
| ケルン郊外のメトラート村で生まれる。 |
| 父親は大学の講師でピアノを弾き、母親は裕福な農家の出身であった。 |
| 母親は、カールハインツが4歳のときに精神を病んで入院したが、後にナチス政権の民族浄化政策によって安楽死させられ、父親は第二次世界大戦末期の1945年に東部戦線に出征し、行方不明のまま戻ることはなかった「カールハインツ・シュトックハウゼン略歴」（『シュトックハウゼン音楽論集』清水穣・訳、現代思潮新社、1999年所収）より。 |
| 6歳時よりピアノを習っていたカールハインツは、1947年、ケルン音楽大学のピアノ科に入学、スイスの作曲家フランク・マルタンに理論を師事する。 |
| 在学前と在学中はジャズ等のピアニストとして生計を立てていたが、同時にケルン大学にも籍を置き哲学などの思索にふけった。 |
| この大学の音楽学学科には晩年になっても定期的に訪れ、特別講義を担当していた。 |
| 音楽大学音楽教育科を卒業した1952年頃ころから作曲家になる決心をしたと本人はSWRのインタビューで語っている。 |
| 1952年にはフランスに移り、パリ国立高等音楽院に入学、オリヴィエ・メシアンの分析クラス、ダリウス・ミヨーの作曲クラスにて学んだ。 |
| 「群の音楽」や「モメント形式」などの新しい概念を次々と考案し、また、世界で初めての電子音楽を作曲。 |
| 「少年の歌」や「グルッペン」、「コンタクテ」、「モメンテ」などの代表作を作曲して、第二次世界大戦後の前衛音楽の時代において、フランスのピエール・ブーレーズ、イタリアのルイジ・ノーノらと共にミュージック・セリエルの主導的な役割を担った。 |
| 60年代後半以降は確定的な記譜法を離れ、自身の過去作品を出発点としてそれを次々と変容してゆく「プロツェッシオーン」や短波ラジオが受信した音形を変容してゆく「クルツヴェレン」などを作曲。 |
| 更には、演奏の方向性がテキストの形で提示された「直観音楽」を提唱する。 |
| アロイス・コンタルスキーやヨハネス・フリッチェらの演奏家とアンサンブルを結成し、これらの音楽を演奏した。 |
| 70年代には「フォルメル技法」を掲げて再び確定的な記譜法に回帰。 |
| 1977年から2003年まで、7つのオペラから構成される長大な連作「光（LICHT）」の創作に携わり、最終作である「日曜日」の第3場面「LICHT-BILDER」が、2005年の自身の28年ぶりの来日の際に東京の夏音楽祭にて演奏された。 |
| 2004年以降は、一日の24時間を音楽で表現する24の連作「音（KLANG）」を作曲していたが、全曲の完成は叶わなかった。 |
| 1961年にケルン郊外の村、キュルテンに土地を購入し、自身の要望どおりの家を4年ほどかけて建て、以後はその家で過ごした。 |
| また、「シュトックハウゼン出版社」を設立し、自作のCDや楽譜などを体系的に出版するようになる。 |
| 1998年からは毎年キュルテンで「シュトックハウゼン講習会」を開催、後進の指導に熱心に取り組んだ。 |
| 2007年にキュルテンの自宅にて、モーツァルトの命日と同じ12月5日に帰らぬ人となった |
第一期(1951-1960)
| 創作初期のシュトックハウゼンは「ソナチネ」や「ドリスのための合唱」など、伝統的で新古典主義的な作風を出発点とした。 |
| しかし、オリヴィエ・メシアンの「音価と強度のモード」を聞き、彼の音楽生活は一変する。 |
| この作品を数百回も繰り返し聴いた（P・グリフィス、1983）ことが契機となり、さらにはブーレーズやカレル・フィヴァールツのトータル・セリエリズムから多大な刺激を受け、シュトックハウゼンはセリエリズム音楽を突き詰めることを決意した。 |
| ダルムシュタット夏期講習会では20代で既に講師を務め、日々ピエール・ブーレーズやルイージ・ノーノと熱い議論を戦わせていた。 |
| 彼は典型的なセリエリズムに基づく「点の音楽」から「群の音楽」「モメント形式」へと作曲技法を発展させつつ、一方で不確定性や多義性を伴った形式も試行していた。 |
| ただし、。 |
| 音響そのものを意図的に操作しようとする「音響作曲法」の考え方は「少年の歌」「コンタクテ」など電子音楽の古典的名作へと繋がっていくが、音響の空間配置も意図的に音楽構造に取り入れる「空間音楽」の概念もすでにこの時期には打ち出されていた。 |
| 1960年に完成した「カレ」では、当時多忙であったシュトックハウゼンに代わり、全体の作曲プランをもとに当時のアシスタント、コーネリアス・カーデューがスコアのリアリゼーションを行った。 |
| 細かい音高の決定までも彼に一任した痕跡すらあるが、最終的にすべての作業はシュトックハウゼン自身によって詳細に監修されている。 |
| こうした作曲法は、「モメンテ」や「ストップ」などで「不確定なスコアから演奏者に自分用の演奏用ヴァージョンを制作させる手法」に繋がっていく。 |
第二期(1961-1969)
| ジョン・ケージの出現は、シュトックハウゼンを不確定性へと傾斜させる大きな契機となった。 |
| この時期に作曲された「モメンテ」「ミクストゥール」「ミクロフォニー」「ソロ」「ストップ」「短波」「シュピラール」「シュティムング」などほとんど全ての作品において、楽曲形式や音楽の細部など様々なレベルにおいて不確定・多義的な要素が楽曲に取り入れられている。 |
| リング変調、フィルター、ディレイなどを生演奏に施して音響を変調させるライヴ・エレクトロニクスの手法もこの時期積極的に試みられた。 |
| また、即興能力の高いミヒャエル・フェッターのような演奏家とのかかわりも増え始める。 |
| 「シュティムング」（1968は低い変ロ音の倍音のみを基本構造として全曲が構成される6人の歌手のための音楽で、母音の様々なタイプの移ろいによる音色変化を聴く音楽である。 |
| この時点でスペクトル楽派は存在しておらず、ジャチント・シェルシすら殆ど知られていなかった。 |
| シュトックハウゼンの不確定性音楽への依存度合いは年を追うごとに大きくなり、五線譜の代わりにプラスやマイナスの符号で音楽イベントを指示するなどの方法を経て、最終的に「直観音楽」と呼ばれる作曲技法を確立する。 |
| これはテキストによる簡単な指示のみによる「楽譜」から演奏を作り上げていく作曲技法であり、「7つの日より」「来たるべき時のために」という二組の直観音楽曲集が作曲された。 |
| 彼の電子音楽の傑作とされる「テレムジーク」（1966）「ヒュムネン」（1968）では、音響素材として世界各地の音楽、短波ラジオ、国歌等が取り上げられている。 |
| こうした世界中の様々な音楽のイディオムを取り込み統合しようとする傾向を彼自身「世界音楽」という言葉で表現しており、同時期の多くの作品にもそうした考え方が反映されている。 |
第三期(1970-1977)
| この時期、シュトックハウゼンは確定的に記譜された作曲法へ回帰するようになる。 |
| フォルメルと呼ばれる短い単一の旋律素材から作品全体の時間構造、音程構造などを組織的に導き出す「フォルメル技法」と呼ばれる作曲技法を開発し（実際にはセリーの発展系と解釈される）、2台ピアノのための「マントラ」において初めて採用された。 |
| 続く「祈り」「シリウス」「友情に」などの作品で、この作曲技法はさらに洗練されることになる。 |
| ただし、彼が不確定性、多義性を伴った作曲法を完全に捨て去った訳ではない。 |
| 例えば「12宮」においては演奏者が記譜されたメロディーをもとに自分自身の演奏用ヴァージョンを作ることを求められ、作曲者自身も様々な楽器編成のために数多くのヴァージョンを作っている。 |
| 「トランス」「私は空を散歩する」「ハルレキン」などでは、演劇的・視覚的な要素を大幅に取り入れられるようになる。 |
| とくに日本の音楽を強く意識した作品である「祈り」においてはジェスチャーと音楽のセリエルな融合が果たされた。 |
| この方向性は「光」においてさらに発展していく。 |
| また、第二期までにはそれほど表面化していなかった「トランス」における帯状音響の持続や「マントラ」で聞かれる減衰音への執着が顕在化してきたのもこの時期で、後に「フェルト概念」として確立された。 |
| 常になんらかの音響が絶え間なく折り重なる様式は、「光」各曜日の「迎え」と「別れ」などの単体電子音楽（オペラの上演前・上演後にロビーで流される音楽）によく現れている。 |
| 第二期では演奏家への過激な要求が目立ったが、第三期においては現実的に使用可能なイディオムに重点を置くようになった。 |
第四期(1978-2003)
| 1978年以降、シュトックハウゼンはは7つのオペラから構成される「光」の作曲に専念する。 |
| 「ピアノ曲」などの小品の作曲はほぼ全てオペラの派生作品という形で編まれたが、実際はオペラそのものの委嘱が入らず、個々の作品の委嘱の組み合わせという形で一つ一つのオペラを完成していった。 |
| 総演奏時間約28時間のこの大作のすべての構成・楽想などは、3人の主人公ミヒャエル・エーファ・ルツィファーを示す1分ほどの3声のフォルメルのみから導き出されている。 |
| 第一作「木曜日」では伝統的なオペラのようにある程度のストーリーがあるが、作曲が進むにつれストーリー性が薄れ、特に子供たちが成人してシュトックハウゼンの許を離れるようになってからは、「光」の創作はより抽象的・過激な側面を深めるようになった。 |
| 最後の2作品「水曜日」「日曜日」においては、具体的なストーリーはほぼ姿を消し、一種のシアター・ピース集合体のようなスタイルへと変貌している。 |
| 「光」は伝統的なオペラとは異なり、楽器奏者がオペラ歌手のようにステージ上を動き回りながら演奏する部分も多い。 |
| 第二次大戦後の西洋オペラですら「配役は歌手」と信じられていた当時、これは意外なことであった。 |
| クラリネット奏者のシュザンヌ・スティーブンス＝マイヤーズ、フルート奏者のカティンカ・パスフェーア、息子でトランペット奏者のマルクス・シュトックハウゼンら、特定のミュージシャンとの綿密なコラボレーションが作品の成立に大きな影響を及ぼしているのも重要な特徴である。 |
| 彼らの献身的な努力によって、管楽器のあらゆる特殊奏法の可能性が追求され、例えば微分音による疑似グリッサンドのみで全曲が構成された「Xi」など、数多くの管楽器のための作品が生まれた。 |
| シモン・シュトックハウゼン、アントニオ・ペレス・アベリャンなどのシンセサイザー奏者とのコラボレーションによる電子音響の効果も絶大で、キューブ状に配置した8つのスピーカーから再生される音響が上下左右に動き回る電子音楽「オクトフォニー」（火曜日）など、テクノ系のファンにアピールする作品も少なくない。 |
| 4台のヘリコプターを使った「ヘリコプター弦楽四重奏曲」（水曜日）、2つのホールでの演奏を衛星中継で同期させながら5つの異なるテンポで同時に演奏される「ホーホ・ツァイテン」（日曜日）など、果敢に伝統的な演奏習慣に挑戦する姿勢も健在である。 |
| 「光」も完成間近となった2000年ごろから、「ルフラン」「ストップ」など旧作の不確定な部分を完全に確定したヴァージョンがいくつか発表された。 |
| 40年以上に渡って改訂を繰り返した「プンクテ」の1993年決定稿も、おしなべて評価は高い。 |
| 彼は殆どの作品で暗譜演奏をほぼ全ての楽器奏者に要求し、結果として演奏者は時には何年にもわたる練習を強いられることとなる。 |
| また、「元ネタ」が類推しにくいのもこの時期の特徴である。 |
| 例えば、火曜日後半の作曲技法はヴィンコ・グロボカールの「亡命者」で使用されたものとよく似ているが、背景は全てフォルメル化された電子音で表わされ、なおかつメイン生楽器奏者のテンポや持続も全てフォルメル化されているために、影響元が見えにくい。 |
第五期(2004-2007)
| 「光」を2003年に完成させたシュトックハウゼンは、2004年から2008年の没年まで、新しい連作「クラング」（KLANG・音）の作曲に専念した。 |
| これは1日の24時間を音楽化しようとする24連作で、2台のハープを使った「2時間目・喜び」や（アコースティック）ピアノのための24の連作「3時間目・自然な持続時間」など、それまでのシュトックハウゼンの作風からはかなり離れた伝統的で室内楽風な編成のものも含まれている。 |
| オルガン（またはシンセサイザー）とソプラノ・テノール独唱のための「1時間目・昇天」では、30分以上にわたるほとんど全ての部分で、オルガン奏者は左手と右手が全く異なるテンポでの演奏を求められる。 |
| オペラ劇場で演奏されることを前提として作曲された「光」に対して、「KLANG」はそのような制約を一切設けずに作曲されているため、演劇性のほとんどない作品もある一方で、特製のドアを打楽器奏者が叩き続ける「4時間目・天国への扉」のような「光」の一部分を思わせる作品も作曲されている。 |
| 8チャンネルの電子音楽「13時間目・宇宙の脈動」の極限までの複雑さと激しさを持つ音響は、ローマでの初演時に聴衆の激しい熱狂で迎えられた。 |
| 1970年代以来のフォルメル技法に代わり、2オクターヴの24音からなるセリーがこの連作の基礎となっている。 |
| 「KLANG」の作曲は超人的なスピードで進められ、フルートと電子音楽のための「21時間目・楽園」までが完成されたが、作曲者の逝去により全曲の完成は叶わなかった。 |
教育
| ロルフ・ゲールハール、ロジャー・スモーリー、ジョン・マクガイヤー、コーネリアス・カーデュー、ホルヘ・ペニショ、トマス・マルコ、ロベルト・HP・プラッツ、クリストフ・デルツ、エマヌエル・ヌネス、等である。 |
| ケルン音楽大学の現代音楽講座で教えた最も有名な弟子に、ヴォルフガング・リームがいるが、彼自身はシュトックハウゼンの「何もない」教育法に失望し、1年で退学届けを出してクラウス・フーバーに師事した。 |
| しかしながら、。 |
| 1970年代にはプログレッシブ・ロックと関りを持つ何人かのミュージシャンが、「祈り」の制作のアシスタントを務めている。 |
| カンの中心メンバーであるホルガー・チューカイとイルミン・シュミット（:en:IrminSchmidt）が、シュトックハウゼンの教えを受けていた（チューカイは正規に師事していた）。 |
| 「ケルナークルス」の作曲講習会ではヘルムート・ラッヘンマンやウーリッヒ・ズーセなども参加している。 |
| 1998年より毎年開催されている「シュトックハウゼン講習会」では、自身の作品や音楽語法を詳細に講義し、また、作曲者自身やかつて演奏に関った人々による監修のもとにシュトックハウゼン作品のコンサートも行われ、作品の正統的な演奏解釈を後世の演奏家に伝えることに努めている。 |
人間性
| 一方で、。 |
| 指揮者のインゴ・メッツマッハーは、苦悩していた時期にシュトックハウゼンに激励されたエピソードに触れ、彼について「ほんとうに心が広く、他人に援助を惜しまず、常に物事をポジティブに考える人」と述べているメッツマッハー『新しい音を恐れるな』小山田豊・訳、春秋社、2010年、144ページ。 |
日本において
| 日本においては特に1970年代以降、「シリウス」や「歴年」が音楽評論家にバッシングされたのを契機として、彼の作品や音楽理論の受容が停滞するようになる。 |
エピソード
| 当時セリエリストの泰斗であろうとしたシュトックハウゼンと決別した作曲家は多く、クラウス・フーバーは「彼が楽壇で生き残ったのは彼の『性格』のせいだ！」と発言している。 |
| 1970年代は前衛の停滞が叫ばれ、アルフォンス・コンタルスキー、アロイス・コンタルスキー、マリー・フランソワーズ・ビュケ、ヘルベルト・ヘンク、ディヴィッド・チューダーなどが、シュトックハウゼン音楽とのコラボレーションを次々に放棄した。 |
| この時期に入れ替わるようにハラルド・ボイエ、ロジャー・スモーリーが鍵盤楽器奏者に加わるが、彼らですら1978年以降の鍵盤作品の演奏から退いた。 |
| 更に1990年代にはアメリカの電気パーカッション奏者のマイケル・マニオンやトロンボーンのマイケル・スボヴォタも、一時シュトックハウゼンと一緒に仕事はしたものの、結局は共同作業を解消した。 |
| マウリツィオ・ポリーニは1970年代から初期のピアノ曲を手がけ、自身が審査員を務めるコンクールのために「ピアノ曲XVI」を委嘱したりして話題となったが、1978年以降の鍵盤作品の演奏には関っていない。 |
| その後、愛娘のマイエラ・シュトックハウゼンやピエール＝ローラン・エマール、ヘルベルト・ヴァンバッハ、ジーモン・シュトックハウゼン、エレン・コルヴァーなどの演奏家を経て、現在はフランク・グートシュミット、ベンヤミン・コブラー、アントニオ・ペレス・アベリャンが鍵盤楽器を担当している。 |
| ちなみに「ピアノ曲XIII」は日本では異例の演奏頻度を記録し、マイエラ・シュトックハウゼンによる日本初演の後、向井山朋子、大井浩明、矢沢朋子、近藤伸子、宇野正志によって演奏されている。 |
| 1966年1月20日〜4月30日にかけての来日では、東京、鎌倉、京都、奈良、大阪などの都市を訪れている。 |
| 英国のサンプリングを主体とする前衛グループ、ストック,ハウゼン&ウォークマン（Stock,hausen&walkman）の名前は、彼の名前とウォークマンをストック・エイトキン・ウォーターマンの語感に乗せたパロディである。 |
作品
| ''詳しくは、（ドイツ語版:ListederWerkevonKarlheinzStockhausen）を参照のこと''。 |
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1945年
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ケルン音楽大学のピアノ科に入学、スイスの作... |
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